+ 平淡之中写意境
平淡之中写意境
□贾俊春
我画画的心态很平常，就是发自内心地喜欢它，画起来也从未因其小而潦潦草草。我的作品都是从写生中得来的，当然学习古人也非常重要，但我绝不生搬硬套地去模仿。每画一幅画之前，我都会以饱满的热情去写生，有厚积才能薄发，花鸟画创作也不例外。
写生创作首先要具备扎实的基本功，还要有悟性，这悟性是要靠对生活素材的积累，需要长期的勤奋与磨练，才能“由技进乎道”，才能进入更高的艺术境界。
在杭州，何水法老师带我们上了不少写生课。对于学画的人来说，写生课必不可少，它是创作取之不尽用之不竭的源泉，不经过写生的创作没有艺术感染力，经不起推敲，缺乏动人心魄的力量。但写生也不能简单地像照相机一样去记录，要超越生活真实，用艺术的眼光去深入细致地观察，大自然总是把那博大深邃、灵秀蕴涵在平淡之中，而人们用艺术的眼光去发现、挖掘，加以提炼并创作美丽的图画。“美的判断不是知识的判断，而是趣味的判断”，用我们高雅的趣味来塑造返璞归真的艺术境界。我在创作中体会到，生活中的创作题材很多，往往是这张作品还没有完成，另一张作品的构思又已闪现，时间总觉得不够用，我在画画时，有时整天默不作声，但却不觉得寂寞，完全陶醉在画面之中，陶醉在营造画作的意境中，不让我画画反而使我手足无措，心绪不宁。
乙酉年春节期间，突然想到鹭鸶，心里陡然一亮，创作的欲望燃遍全身，我便立刻动身去芦苇滩写生。冬风呼啸肆虐，放眼望云，一望无际的芦苇被割去了，只剩下十几厘米高的芦柴根，参差不齐，高高低低地兀立在旷野中，伴着枯黄色的干芦叶、芦花。而一小群一小群留在这里越冬的鹭鸶，孤立无援地独立着，全没了秋日喧闹欢快嬉戏的场面，我试图接近它们，可它们始终警惕地与我保持一段距离。人类在使它们屡屡失望之后还能赢得它们的信任吗?不知还有多少生灵也在观望着不值得信任的人类?回来之后我一气呵成完成了《望》这幅作品。
我经常到乡村田野写生，日积月累，收集创作素材，随处可见的景象都能入画，《绿荫下》就是这样创作出来的，它就像源自我心头的一首田园诗，自然而然地，清新地从我心中汩汩流出，缓缓地在画面上展开。大面积地采用淡绿色，枝头少许嫩叶，白花点缀其间，近处是一群母鸡带着一只小鸡，远处一只蜻蜓欲停未停，正在盘旋之际，后面留空很大，给人以空灵遐思。
我的作品色调都比较淡，平淡是中国绘画所要体现的精神要求之一，通过画面弱差的色阶表现出丰富的精神空间，“绚烂之极归于平淡”是中国绘画极高境界的体现，画面上追求的不是客观事物色彩的真实表现，而是借此以表达所追求的境界，调动更高的能动性去摄取生活之情，去迁想、去妙悟，从而运用恰当的绘画语言，尽可能求得言简意赅的表达。我不采用强烈的色彩对比，只求深入浅出地表述画面的主题，题字也很少，只有仔细的体味，才能体会出它的意境和浓郁的诗意，一花一叶都在表达着大自然浓厚的气息。我的画还不成熟，当然每完成一张作品之后，欣喜之余，总还是有不尽人意之处。
我的花鸟画创作总是在不断的摸索和总结中前进，色彩运用上，起初找不到感觉，按照真实生活中的青枝绿叶去画，画出来之后总觉得不协调，后来发现单纯和统一的色调更能营造我的画面氛围。《望》组画之三参加2005年全国中国画展获优秀奖，当初先画一张，就要完成之际，觉得不是理想中的效果，尔后重新画了一张，着重强调画面的色调要统一，不能太杂，荷叶全部用淡墨染，荷花只是略施粉色，水鹬是主体，墨色加重，突出主题，这样一调整，效果非常好，不艳，不俗。我认为，抛弃一切私心杂念，心无旁鹜， 把心态完全沉下来，才能画好画。
线条在工笔画中至关重要，点是线的组成部分，工笔画的线条不能弱，虚实要相间，绵长而有韧性，流畅、含蓄且要坚定的贯穿画面，不要画成一根“死”线条，唐代张彦语：“夫象物必在于形似，形似必全其骨气，骨气形似皆本于立意，而归于用笔”，学习了许多前人，我理解了一幅作品，必须要有“气”、“势”、“韵”。“气”指灵动有生机、有朝气、有活力，不能让人一眼看上去太呆滞、死板；“势”是画面大效果要气派、雄浑、豪迈，给人的视觉效果要有一种势不可当之势。“韵”为通透而要富于变化，虽说风格是水到渠成的，但画者心中要有一个明确的目标，我的目标定在“虚和清逸”的品格追求上，每作一张画都力图向这个方向靠近。
处理好画面是创作的重要环节，眼高手低，缺少基本功，画出来跟心里想的不一样，我刚开始画工笔花鸟画的时候，就忽视了这一点，虽然也枝枝叶叶，鸟鸟雀雀，画得面面俱到，但是画面不生动、不打动人，就是缺少“韵”、“势”。在《望》组画之一中，十一只鹭鸶，每只都顺头地望过去，起到一种势的作用。鹭鸶在望什么?给人以无限的遐思。
艺术是相通的，有一次听别人议论舞台戏主角与次角的关系，主角要突出，次角不能太抢眼。这在绘画上是一样的，突出主题要明确，主要的角色要放在画面黄金眼点，重点强调浓妆艳抹，次要的只是起陪衬作用，轻描淡写地修饰一下，不能太抢眼了，否则无法突出主题，一幅画的视觉中心只能有一个，多了画面就嫌杂乱。
处理好画面的虚实关系，该虚的地方要虚掉，甚至可以一点不画，该实地方半点马虎不得。我画《家园纪事》时，豆角的藤是丝丝罗罗，相互交缠，比较难画，为了画面的虚实效果，我花费了不少的精力去画交织着的藤，填色—留空，深—浅，前后关系，整体与局部都要考虑，虚的地方我就用淡色洒洒，水冲冲，近三分之一画面留空，有的地方用毛笔擦点痕迹，完成之后效果还不错，又融入了强烈的个人情感和个性特征，花鸟画的生命力旨在作者的创造精神，花鸟画创作源于自然，又不是生搬硬套的自然再现，它们的关系是相互依存，“师古人不若师人造化”。“造化”根据每个人的不同感受，同一个题材可以画出千变万化的画面来。
我画《在水一方》时，荷塘处于画面一半以下，一朵残败的花，两朵半遮半掩在荷叶中，荷叶绿带花青，几束芦草荷梗穿插其中，留出画面的“气”，使清幽之姿的荷愈加动人，灵动的白鹭使画面生机盎然，整个画面的色彩淡雅清逸，后面留大片空白，荷塘不是没有了，而是大片延伸进去了，来营造画面的势，给人一种深远感，这是我心中的理想境界。
我对创作的认识由起初的不能画，无从插手，画面内容单调，循序渐进到能画，会画的创作阶段。我走过许多曲曲折折的“弯路”，现在看来，这些“弯路”都是我通向绘画成功之路的垫脚石，也是必经之路。有人说“创作是一种寂寞的旅行”，也有人说“创作是一种激情的燃烧”，其实，这两种创作心态都交替地伴随着我的创作全过程，如果没有甘于寂寞的平静心态，心浮气躁会导致作品的失败；如果没有创作激情，就没有创作灵感；如果找不到题材的立足点，也就发现不了生活中的和谐之美。二者缺一不可，只是时间先后而已，创作过程中那种蠢蠢欲动以及完成作品的释然心情，一种说不出的愉悦充溢着我，每一幅作品都倾注着我情感的全部，“笔墨本无情，不可使运笔墨者无情；作画在摄情，不可使鉴画者不生情”。求自然之道，不以柔媚悦世，立意清晰，捕捉生活中的亮点，入情入理地融入画面，充满“情”之视觉表达，以“情”赋韵，以“情”达意，表达对动植物的生命讴歌。
近两年来，我一直在进修学习，特别到杭州、北京之后，有幸得到众多知名画家悉心指教，比我自己摸索着画效果明显不同，有些东西老师一点就破，自己琢磨却要费些时日。每位老师都有自己独特的观点，倾听他们的讲话总能得到启发。他们平易近人的风范使我受益匪浅，包括学问和做人，踏踏实实走自己的路，寻找适合自己的绘画语言，致力于追寻远离喧嚣尘俗的宁静和质朴，不急功近利，也不会损人利己地求发展，努力做好今天，为了拥有更精彩的明天，“路漫漫其修远兮，吾将上下而求索”。
园纪事 纸本 180×46cm×3 2005年
家园 纸本 180×140cm 2005年
淡淡 纸本 180×32cm×3 2006年
组画之三） 纸本 93×180cm 2005年
（组画之五） 纸本 96×96cm 2005年
秋 纸本 68×68cm 2006年
荷塘 纸本 180×23cm×4 2006年